Выставка Владимира Вейсберга в ГМИИ имени А.С. Пушкина

Владимир Вейсберг — выдающийся русский художник и теоретик искусства, принадлежащий к послевоенному поколению, становление которого пришлось на середину 1950-х — начало 1960-х годов. Творчество мастера не вписывалось в рамки ни официального искусства, ни нонконформизма, он — художник традиции, постижение законов классического искусства было целью его теоретических поисков и живописной практики.

Связь Владимира Вейсберга с ГМИИ им. А.С. Пушкина была постоянной — с ранней юности и до последних лет жизни он почти еженедельно посещал музей. Этот союз продлился и после кончины художника: его вдова Галина Ермина в 1997 году передала в дар музею коллекцию живописи и графики, где теперь самое большое музейное собрание произведений Вейсберга.

Выставка поделена на семь разделов и строится по хронологическому принципу. Два зала посвящены так называемому цветному периоду — произведениям второй половины 1950-х, когда творческие поиски мастера происходили на фоне культурного подъема эпохи оттепели и оживления художественной жизни в стране. Пушкинский музей в эти годы стал для Владимира Вейсберга настоящей школой. Чтобы увидеть шедевры Дрезденской коллекции на знаменитой выставке 1955 года, Вейсберг устроился в музей разнорабочим — так он получил возможность часами изучать увлекавшие его полотна, в том числе — импрессионистов и Сезанна.

Зал «Преображение реальности» посвящен становлению оригинальной живописной концепции Вейсберга. Здесь представлены знаковые произведения этого периода — «Посвящение Сезанну», «Композиция с газовой тканью», «Архитектура» и другие. В 1962 году на симпозиуме философов и лингвистов Московско-тартуской семиотической школы художник выступил с докладом «Три вида колористического восприятия», ознаменовавшим поворот в его творчестве. Владимир Вейсберг рассматривал эволюцию восприятия цвета как поступательное развитие в истории живописи, которая от прямого натуроподобия через аналитический этап становилась инструментом исследования человеческого сознания.

Зал рисунка открывает зрителю «лабораторию Вейсберга», длительное время следовавшего жесткому распорядку: утром — живопись, вечером — рисунок. В повседневной творческой практике художник использовал рисунок на стадии непосредственного восприятия, в то время как в акварели, при работе с цветом в изображении обнаженной натуры начинался процесс дематериализации формы.

«Невидимой живописи» зрелого периода посвящены два заключительных зала. «Архитектура валеров» — такой термин Вейсберг использовал в середине 1960-х для определения своей живописи. Он строил композиции на взаимодействии сближенных цветовых оттенков.

«Белое» произведение художника не заключало в себе чистого цвета: белила использовались только в смесях с хроматическими цветами. В начале «белого» периода он уделял внимание сложной фактуре, накладывая на холст корпусные мазки разной плотности, но потом полностью сосредоточился на проблемах пространства.

«Гармония должна быть создана на холсте», — говорил художник в конце 1970-х, подкрепляя на практике живописными сериями теорию о «гармоничной целостности». Тогда в его работах появилась узнаваемая, идеально гладкая поверхность картинной плоскости, на которой изображенное окутано единой цветосветовой средой.

Инстинктивное стремление Вейсберга уйти от чувственно-эмоционального восприятия цвета к интеллектуально-чувственному, «оторваться от предметного» и растворить его, привели художника к почти монохромному, насыщенному тональными колебаниями, светящемуся живописному мареву «белого на белом».