Художник, график и фотограф Дэвид Хокни (David Hockney) нашел свой стиль в 1970-х. И хотя в его творчестве были и фотоколлажи, и рисунки на iPad, мировую известность ему принесли изображения бассейнов и парные портреты в интерьере. В свои почти 90 Хокни считается самым дорогим художником современности. В 2018 году аукционный дом Christie’s продал одну из самых известных его работ почти за $100 000 000 США.
Дэвид Хокни родом из Бредфорда, Йоркшир. Учился через пень колоду, но с детства любил рисовать. Отец, художник-любитель, отдал мальчика в Школу искусств. Затем —Королевский колледж в Лондоне, первые выставки, в начале 1960-х переезд в США.
Он осел в Калифорнии, но продолжает называть себя британским художником. Его выставки на родине бьют все рекорды посещаемости, а Королева наградила британца орденом «За заслуги перед Отечеством». От рыцарского же звания он отказался. По опросам авторитетных изданий, его называют британским «Зевсом», художником художников, чья слава сравнима разве что с великими именами прошлого в лице Гейнсборо или Тёрнера.
Дэвид Хокни в июле 2022 года (85 лет). Он все также любит импозантные, яркие вещи, подчеркивающие его незаурядный стиль, и может появиться перед Его Величеством в классическом костюме в клетку и… желтых кроксах!
Хокни всегда увлекался графикой. В интервью признается, что она кормила его всю жизнь. Так именно первые успешные гравюры дали ему возможность начать работать в США. Он попал в богемную тусовку, а знакомство с Энди Уорхолом (Andy Warhol) открыло перед юношей двери нью-йоркского арт-мира. В роли «продюсера» будущего мэтра выступил известный искусствовед и арт-дилер Генри Гельдцалер (Henry Geldzahler). Благодаря ему Хокни обрел заказчиков (преимущественно из обеспеченной публики, облеченной властью) и, как сам признавался, уже в конце 1970-х при желании мог отойти от дел, скопив состояние. Но одной славы ему было недостаточно. Художнику всегда нравилось экспериментировать.
Его первые работы, выполненные в Англии, отличались нарочитой наивностью в сочетании с кислотными цветами. В 1961 году он принял участие в программной выставке Young contemporaries («Молодые современники»), ознаменовавший собой рождение британского поп-арта. Самого Хокни впоследствии не раз называли отцом этого движения у себя на родине.
Американский период творчества начался с серии гравюр, отсылающих к сатире Хогарта. «Похождения молодого повесы» в изображении Хокни — это мрачноватые графические комиксы про классического юношу–ботаника. Серия имела такой успех, что получила продолжение, подкрепленное солидным гонораром.
Художник вспоминал, что влюбился в Америку еще в детстве — из-за ярких красок и глубоких теней, которые он видел в кадрах, изображающих заокеанский пейзаж в прокатных фильмах. Его подлинной любовью стала Калифорния, которую он открыл для себя в конце 1960-х. Именно тогда он впервые начал писать пейзажи с бассейнами, наполненные светом и воздухом. Пронзительное солнце, голубизна воды и неба, сочные, яркие краски тропиков — стиль Хокни сформировался. Отвечая на вопрос, почему он выбрал именно эту тематику, художник говорит, что его всегда увлекало изображение воды, передача объема на плоскости средствами живописи.
Самой известной работой этих лет стала картина «Большой всплеск», изображающая секундное мгновение, когда прыгун только погрузился в воду. Классика Хокни в этом жанре — «Питер вылезает из бассейна Ника», на которой изображен его партнер, модель Питер Шлезингер. Картины Хокни с гомосексуальным подтекстом также стали приметой эпохи.
Художник много занимался иллюстрацией. В частности, создал цикл, посвященный сказкам братьев Гримм. Также он известен как сценограф: например, его часто привлекали к созданию декораций для оперного театра Метрополитен.
В 1980-х Хокни прославился вторично, уже как фотограф. Он начал создавать пейзажи в технике фотоколлажа, накладывая десятки кадров одного и того же места друг на друга. Мастер мог сделать несколько тысяч снимков, и лишь треть из них попадала на полотно. Как было, например, с картиной «Шоссе Пирблоссом», за которой долго охотился Музей Гетти.
Важная часть творчества Дэвида Хокни — портреты в интерьере и на фоне домов заказчиков. Как правило, они построены по одной схеме: фигуры расположены симметрично, фоном служит полотно стены, предметы обстановки становятся полноправными героями художественного произведения.
Мастер редко прописывает лица, хотя сходство, безусловно, угадывается, предпочитая раскрывать образ через интерьер, предметную среду. Так, вибрирующий цвет выдает нервный характер отношений в паре. Статика, как, например, на полотне «Американские коллекционеры», изображающем солидную пару на фоне их особняка, служит приметой официоза, рамок, ограничивающих жизнь этих людей. Интерьеры с полотен Хокни становятся эталонными. Многие декораторы учатся по ним колористике и психологическому контексту.
Во многом композиции Хокни отыгрывают его концепцию изображения из камеры обскура. Постмиллениум был отмечен нашумевшей книгой Хокни, изданной в соавторстве с физиком Чарльзом Фалько, в которой они утверждали, что полотна старых мастеров — своего рода раскраски, перспективные построения, созданные с помощью оптических инструментов.
Используя ту же камеру обскура, художник лишь обводит на холсте то, что показывает линза. Теория Хокни, которую он с переменным успехом пытался доказать рядом художественных экспериментов, встретила резкое неприятие искусствоведов и критиков. Что однако не помешало ВВС снять по ней научно-популярный фильм, отражающий эту спорную, но занимательную гипотезу.
